La historia de los Eagles

Recientemente he estado escuchando a una banda que había sido bastante desconocida para mi. Como buena amante (yo diría incluso friki) de los documentales relacionados con la música, me interesé en el último de los Eagles, presentado en el festival de Sundance este mismo año. Catalogados como “rock suave” y encasillados en su Hotel California, creo que los Eagles ofrecieron mucho más que eso. Al frente de este trabajo se encuentra Alison Ellwood, directora, productora y editora de una gran cantidad de documentales, entre los que destacan el dedicado a Hunter S. Thompson o el Magic Trip, que cuenta el viaje que hicieron por EEUU los Merry Pranksters y la relación de estos con las drogas psicodélicas, además de la segunda parte del documental de los Eagles, que cubre el periodo de tiempo entre la ruptura y la gira actual en la que el grupo se encuentra inmerso. 

Bernie Leadon, Glenn Frey, Don Henley, Joe Walsh y Don Felder

Esta banda setentera estaba formada en torno a dos figuras principales: Glenn Frey (guitarra y voz) y Don Henley (batería y voz). Estos dos excelentes músicos, como se explica en el documental, fueron formados bajo el ala de Jackson Browne, especialmente en su faceta de letristas, en la que en mi opinión entran en la categoría de grandes. Ambos tocaban en la banda de Linda Ronstadt cuando decidieron que debían formar un nuevo grupo por su cuenta.

Joe Walsh y Keith Moon

La historia de los Eagles es un documental bien hecho, bien documentado (valga la redundancia) con imágenes realmente valiosas y que consigue "humanizar" a los componentes del grupo. Es bien sabido que en los 70 los grupos de rock estaban “endiosados” (Led Zeppelin, no digo nada más), y sin embargo se nos presenta un grupo de buenos músicos que intentaban entrar en la industria musical siendo muy jóvenes y que se vieron rápidamente atrapados por una vida de rockeros a la que habían llegado estando aún muy verdes. Glenn Frey resume el documental como una historia de crecimiento profesional, lo que en mi opinión queda bien plasmado mediante el contraste de imágenes y declaraciones de los miembros en el momento en que ocurrían los hechos y en la actualidad, cuando pueden permitirse reflexionar con perspectiva acerca de los momentos claves del grupo y lo que supusieron para la evolución de este, así como sus aciertos y sus fallos en estos momentos.

Especialmente interesante es ver cómo la banda iba cambiando según sus necesidades, perfeccionando en la creación de canciones y buscando su sonido, para lo cual fue un gran acierto incluir a Joe Walsh a la guitarra, quien dio ese punto salvaje de rock más puro que faltaba tanto en sonido como en espíritu. Gran amigo este guitarrista de Keith Moon y de John Belushi, dos buenas piezas que nos dan la talla del señor Walsh. Se cuenta precisamente en el documental una anécdota del guitarrista con Belushi una noche en Nueva York que no tiene desperdicio.

Una muy buena aportación de Joe Walsh al grupo fue la canción Life in the Fast Lane, salida de un ejercicio de agilidad rutinario del guitarrista. Es una canción compuesta en grupo, pero se nota perfectamente la influencia de Walsh en ese sonido hard rock que marcaba la diferencia con el acostumbrado folk que hasta entonces predominaba en sus canciones. Un buen tema.

Otro tema interesante es Witchy Woman, una canción que recuerda ligeramente al Black Magic Woman de Santana, tanto en temática como en sonido.

Otra curiosidad es que Glenn Frey sirvió de inspiración para el personaje de Russell, guitarrista de la banda Stillwater en la película Casi Famosos. Su director, Cameron Crowe, escribía artículos sobre grupos de rock en aquella época y la película se basa en sus experiencias con estos grupos. Para quien le guste la película, éste es un artículo interesante que incluye una entrevista en la que el director explica, entre otras cosas, la relación de su personaje y Glenn Frey.

El sonido de los Eagles se me sigue haciendo algo “blando” (acostumbrada al estilo Led Zeppelin, The Who...) y coincido con el término de rock suave, pero hay que admitir que eran grandes músicos y es una muy buena banda que supo mezclar todo tipo de influencias, ya sea blues, rock, folk e incluso algo de reggae (ahí queda la versión de Marley de Hotel California, una canción que en mi opinión lo tiene todo). Conclusión: un puñado de buenos temas que entran en mi colección, porque siempre es bueno escuchar cosas nuevas. Además, California en los 70... ¿Puede salir algo malo de ahí?.

Las aportaciones de George Harrison siempre fueron buenas

El discazo Abbey Road contaba con dos aportaciones del Beatle tranquilo, George Harrison. Una de ellas, Something, fue el primer single de los Beatles que llegó a número uno sin ser una composición Lennon-McCartney. La canción ha sido interpretada por más de 150 artistas, convirtiéndose en la segunda canción con más versiones de The Beatles después de Yesterday.

Fue escrita durante la grabación del White Album en 1968, pero no fue grabada e incluída en un disco hasta el año siguiente. La línea del estribillo se basaba en la letra de una canción de James Taylor, artista de la casa Apple, llamada Something in the Way She Moves. 

Se creó un vídeo promocional, en el que aparecían los Beatles con sus parejas en aquel momento. A partir de aquello, a Harrison le llovieron las preguntas, sobre si la canción la había escrito para Pattie Boyd. Harrison, con su habitual carácter burlón dijo sobre esto:

"Entonces, después (del vídeo promocional en el que salía Pattie) todo el mundo divulgó que me había inspirado en Pattie, pero realmente, cuando la escribí, estaba pensando en Ray Charles"

Originalmente George le dio esta canción a Joe Cocker, quien ya había grabado una canción de los Beatles: With a Little Help From my Friends (véase Joe Cocker en Woodstock), pero luego la regrabó con los Beatles para el Abbey Road.

Muchos grandes artistas han versionado esta canción, y entre las mejores versiones se encuentran la de Elvis, que la incluyó en su famoso especial de televisión en directo,  Aloha from Hawaii, la de James Brown o la de Ray Charles. Y no es de extrañar que figuras tan grandes de la música quisieran tocarla, porque es un temazo de los grandes.

Joe Cocker en Woodstock

Una de las actuaciones más recordadas de Woodstock fue la de Joe Cocker. Fue el primero que estaba oficialmente programado para tocar el domingo 17 y subió al escenario a las 2 de la tarde, tras la actuación de los Jefferson Airplane, que había tenido lugar a las 8 de la mañana. Cocker no era aun un artista muy conocido fuera de Inglaterra, su país natal,  a pesar de llevar varios años en la música pero Woodstock lanzó su carrera, especialmente en EEUU.

Con su banda de apoyo Grease Band, Cocker realizaba especialmente versiones de otros artistas, recogidas muchas de ellas en su increíble disco del mismo año "With a Little Help From my Friends". Precisamente esta canción de los Beatles fue la que despuntó en el festival, convirtiéndose en uno de sus iconos, quizás por el giro blues y soul que Joe Cocker le dio. Esta canción se utilizó como tema principal de la serie Aquellos Maravillosos Años  y como curiosidad, en la versión de estudio colaboraron el batería de Procol Harum y ni más ni menos que Jimmy Page a la guitarra.

No se tiene toda la actuación grabada, pero por suerte se conservan dos canciones más (además de otra que fue grabada por el público y de paradero desconocido): Let's Go Get Stoned, original de Ray Charles, y Something's Comin' On, del propio Cocker.

A parte de todas estas, destacan I Shall Be Released, de Dylan o Feeling Alright, de Traffic, ambas incluídas en su primer disco, With a Little Help From my Friends (altamente recomendable para cualquier bluesero)

Ball & Chain

Desde Frankfurt en su gira por Europa del año 69, Janis Joplin y el temazo Ball & Chain, un antiguo blues que Joplin conocía a través de su referente Big Mama Thornton, vieja gloria del blues.

Y la versión que la inspiró

Revolution

El año 69 estuvo marcado por el festival de Woodstock, pero no fue el único ni mucho menos. Uno de los más curiosos fue el Harlem Cultural Festival, conocido como el "Woodstock negro", con artistas como B.B. King, Sly & the Family Stone, The 5th Dimension, Gladys Knight, Stevie Wonder... para reivindicar la cultura afroamericana y la lucha por los derechos civiles. Os dejo con una de las canciones de Nina Simone en este festival.

Tommy, la primera ópera rock de los Who

Pete Townshend nunca fue un compositor muy al uso. Ni siquiera fue un guitarrista normal en su técnica: muchos de sus movimientos son realmente famosos (especialmente el que, según el, aprendió "jugando a los bolos"). Pero su faceta de compositor es la que nos interesa hoy. Entre las miles de canciones y discos que han salido de la cabeza del guitarrista de los Who (incluyendo el icono mod Quadrophenia y pasando por algunas composiciones de música clásica) una de las más conocidas y aclamadas es Tommy.

La originalidad de Tommy se encuentra en que es una ópera rock. ¿Qué es una ópera rock? Pues es ni más ni menos que una combinación, como su propio nombre indica, de la estructura de la ópera con música rock. Las canciones, en vez de estar aisladas temáticamente en el álbum, conforman entre todas una misma historia. Algo parecido a un álbum conceptual, pero en este último las canciones pueden tener una relación temática sin tener ninguna narratividad.


El año 69 vio cambiar a los Who, los vio pasar de ser unos gamberros (que nunca dejaron de serlo) a ser unos músicos de primerísima categoría. Los grandes, los Beatles, estaban en caída libre; Los Rolling perdieron ese mismo año a su fundador, Brian Jones, y los 60 se terminaban sin volver la vista atrás. Su año comenzaba con (relativamente) pequeños bolos en universidades británicas mientras el grupo grababa su nuevo proyecto, The Deaf, Dumb and Blind Boy, en los estudios IBC de Londres. El álbum había sido escrito durante la gira de EEUU el verano anterior, y pronto se decidió que sería doble. No era la primera vez que Townshend hacía este tipo de composiciones, recordemos el tema "A Quick One While He Is Away", que todavía contiene toda la historia en una sola canción, pero ya tiene la estructura de una pequeña ópera rock.. 

Tommy no fue un álbum fácil de asimilar para el público: un chico ciego, sordo y mudo con un primo que lo maltrata, un tío pedófilo... por no hablar de la propia Reina del Ácido. Personajes muy duros dentro de una historia extraña de juegos de pinball y mesías que no fue fácil de descifrar al principio (Townshend tuvo que conceder bastantes entrevistas para explicar la historia de Tommy Walker y su significado). Pero, a pesar de la censura que sufrió por parte de la BBC y de varias cadenas de radio estadounidenses, Tommy fue un exitazo. Fue un gran cambio respecto al panorama musical de entonces, que requería bastante imaginación y suerte para escalarlo, pero era un concepto distinto de álbum. El propio Townshend acuñó el nombre "ópera rock" para designarlo como un nuevo género. Sin embargo, a pesar de su originalidad, ya existía un álbum anterior con estas características. No llegó a tener tanto éxito, pero S.F. Sorrow, de The Pretty Things, lanzado el año anterior, tenía una estructura parecida a Tommy, comenzando desde el nacimiento del personaje principal. Aun así, no es una historia tan controvertida como la de Townshend. 

Otro de los factores de la popularidad de Tommy fue la presentación de gran parte del álbum en el festival de Woodstock ese mismo año, incluyendo See Me, Feel Me en el posterior documental y comentada como una de las grandes actuaciones de los Who. Aunque, si se le preguntase a Townshend sobre esto, seguramente no estaría de acuerdo: para él Woodstock no fue un buen trago. Obligados a ir, los Who tuvieron que esperar horas y horas antes de su actuación. Además Townshend siempre fue más mod que hippie, y de la forma de pensar mod acabó saliendo el punk, con lo cual no hay mucho más que decir. Dejémoslo en que el guitarrista prefería audiencias más movidas y ambientes más elegantes (no nos olvidemos la elegancia british de los mods). 

Finalmente, el gran éxito vino con la película del mismo nombre en el año 1975, del director Ken Russell (fallecido recientemente). El film contó tanto con actores como con músicos famosos de la época, entre ellos Ann-Margret como madre de Tommy, Oliver Reed como padrastro, Elton John, Tina Turner, Eric Clapton, Jack Nicholson, e incluso los propios Who, con Daltrey en el papel de Tommy. La película, por supuesto, recomendadisima para cualquier despistado que todavía no la haya visto, pero sin dejar de lado el disco, una experiencia completamente distinta. ¿Cuál es mejor? Para gustos se hicieron los colores.




Y para rematar, el temazo Pinball Wizard, interpretado por Elton John en la película.

Fallece el batería Levon Helm

El pasado 19 de abril murió en Nueva York Levon Helm, a los 71, que ya se encontraba en fase terminal de cáncer de garganta. El baterista y cantante de The Band había estado luchando contra esta enfermedad desde que le fue diagnosticada en 1998.

The Band fue un grupo mítico de finales de los 60 y los 70 que comenzó como banda de apoyo de Bob Dylan en sus giras del 65 y 66, muy polémicas por la elección de Dylan de dejar de lado la guitarra acústica y coger la eléctrica, cosa que no convenció a los más puristas del folk.

Más tarde, en el 68, The Band debutó con su disco Music From The Big Pink y en el 69 con The Band y en este mismo año participaron en el festival de Woodstock.

En el 78 Martin Scorsese dirigió un documental sobre el último concierto del grupo que se llamó The Last Waltz, en el que juntó al grupo con otros artistas como Eric Clapton, Neil Diamond, Bob Dylan, Muddy Waters, Van Morrison, Ringo Starr o Neil Young...